Historia del arte CMG

COMENTARIO DEL FUSILAMIENTO DE LA MONCLOA

2010-05-17T06:25:00.000-07:00

El cuadro del fusilamiento de la Moncloa está hecho en óleo sobre lienzo, mediante el pincel. El famoso cuadro de los fusilamientos narra uno de los sucesos ocurridos en Madrid a comienzos del mes de mayo de 1808: tras la revuelta iniciada el día 2 por el pueblo madrileño contra los invasores franceses, éstos hicieron numerosos prisioneros, a muchos de los cuales acabaron fusilando en la noche del 3 de mayo. Esta es la escena que describe Goya en la obra: la ejecución de una serie de patriotas españoles a manos de un pelotón de soldados franceses.
Su autor fue : Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828).La fecha de este cuadro es de 1814.Está localizado en el Museo del Prado en Madrid y es de estilo de la pintura española del siglo XVIII.

Se sabe que Goya observó estos cruentos episodios desde su quinta y que tomó apuntes la misma noche en que acontecieron los hechos, de donde proviene el extraordinario realismo de su pintura y su profunda sinceridad. Así lo testimonió su criado Isidro, que dejó para la posteridad una curiosa narración de los hechos, a la vez emotiva y vibrante: "Desde esta misma ventana vio mi amo los fusilamientos con un catalejo en la mano derecha y un trabuco cargado con un puñado de balas en la izquierda. Si llegan a venir los franceses por aquí, mi amo y yo somos otros Daoiz y Velarde."

En los colores del cuadro utiliza una paleta principalmente oscura, donde predominan la gama de los negros, color de la muerte por excelencia, con importantes mezclas de colores relacionados con la gama del verde. La otra gran familia cromática la forman los ocres y marrones. Sin olvidar el blanco de la camisa del hombre con los brazos abiertos que supone un gran contraste con el resto de la paleta, en su mayoría oscuros. Podríamos decir de esta composición que sigue un "crescendo" cromático que va desde el blanco de la camisa del civil, hasta el negro de algunas vestimentas de los soldados.Los contornos están perfilados en negro, pero Goya no respeta las formas del modelado gradual tradicional. El dibujo casi desaparece. Cuerpos y rostros están deformados, con una técnica expresionista. La pincelada es amplia, larga, quebrada, con grandes manchas. Estilísticamente, no podemos olvidar aquí el peso de la escuela tenebrista, que sin duda debió influir en Goya.

Respecto a la luz, hay bruscos contrastes lumínicos. Goya utiliza el tenebrismo para conseguir un efecto dramático. Sobre un fondo oscuro, el foco de luz único proviene del farol, que ilumina fuertemente la zona de los patriotas, mientras los soldados franceses aparecen en penumbra, dibujándose sus sombras en el suelo. La luz separa simbólicamente las dos zonas. Los grupos se ven de derecha a izquierda, lo que introduce un elemento de transcurso del tiempo en la composición.

Para más realismo aún si cabe, trabaja perfectamente la perspectiva aérea, en la cual los personajes del primer plano están más dibujados y nítidos que el paisaje del fondo.

Para Goya, es evidente que la violencia de la guerra carece de justificación alguna, de ahí el tono dramático generalizado que inunda el cuadro. Pero hay en éste otra abundante carga simbólica. Por una parte, la actitud y la postura del pelotón francés (con sus miembros alineados, estando sus piernas derechas retranquedas y los fusiles en actitud de disparo inminente), así como el hecho de que no se vean los rostros de los soldados, viene a simbolizar la cobardía del invasor, que recurre a la nocturnidad para tomar venganza de los sucesos del día anterior. El pelotón es, por lo tanto, un arma, al servicio de la guerra, de la muerte y de los planes expansivos de Napoleón.

Por otra parte, el grupo de los españoles está cargado de símbolos. Los que vienen a representar el miedo, la angustia o el terror son evidentes, así como la actitud religiosa ante la proximidad de la muerte, representada en los gestos de oración. Pero la especial iluminación de la obra hace al espectador dirigir su vista hacia el civil que se enfrenta a pecho descubierto a la muerte y alza sus brazos, mientras dirige su mirada hacia quienes van a fusilarlo; manos en las que son visibles estigmas. Está actitud está, pues, próxima a aquella con la que se retrata a Cristo crucificado. Además, a la izquierda y en el fondo, aparece una mujer sentada que lleva un niño en los brazos y en la que se ha querido ver una referencia a la Virgen María. Este grupo haría así una alusión a los principios básicos de la religión católica.

La composición está dominada por dos grandes diagonales que confluyen en el farol colocado en el suelo: la de la montaña y la del pelotón de fusilamiento, que da profundidad a la escena. A la izquierda, los cadáveres colocados en primer plano presentan violentos escorzos. La combinación de líneas verticales -condenados-, horizontales - fusiles- y curvas- sables, brazos- dan movimiento a la escena, que parece real. La figura con la camisa blanca es el punto de atracción de la composición.

En este lienzo introduce una nueva concepción de la pintura de historia, alejada de la visión heroica y gloriosa tradicional; la pintura se convierte en una forma de "protesta social", de criticar una realidad histórica que genera sufrimiento humano. Este cuadro servirá de modelo a otros pintores: Manet "Fusilamiento del emperador Maximiliano" (1867) y Picasso "La masacre de Corea" (1951).

2010-04-08T12:08:00.000-07:00

Nombre: Alonso Cano
Nacionalidad: España
Granada (1601) - Granada (1667)
Estilo: Barroco Español

Alonso Cano fue pintor, arquitecto y escultor. Por su gran versatilidad se le llamó el Miguel Ángel español. Se formó primero con su padre, Miguel Cano, y después en el taller de Pacheco, en donde también estaba Diego Velázquez. A partir de 1629 su actividad fue sobre todo escultórica, con la que tuvo un gran reconocimiento; de hecho, su labor como escultor, aunque escasa en número, es la más importante. Dentro de su obra pictórica vemos que desarrolla un estilo renacentista junto a un vivo colorido de influencia veneciana. En Madrid, junto a Velázquez tenía un taller en el que restauraba las pinturas de las colecciones reales. Sus temas fundamentales fueron religiosos, como San Francisco de Borja (1624) del Museo de Arte de Sevilla o el San Juan Evangelista (1635) de la Colección Wallace en Londres. Apenas pintó temas profanos. Su vida fue muy tormentosa, en contraste con la dulzura de sus pinturas. Casado con una adolescente casi niña, parece ser que le causaba malos tratos. La muerte de ésta hizo que se le acusara de parricidio, aunque no se demostró.

obras:

CRISTO MUERTO

Título: Cristo muerto (1646 h.)
Autor: Alonso Cano
Museo: Museo del Prado
Estilo: Barroco

Cano utilizó a lo largo de su vida modelos de otros pintores para realizar sus propios lienzos. Este caso sería el mismo, puesto que la figura de Cristo copia cuadros del Manierismo veneciano, hecho que no resta calidad a la obra del español. El Cristo muerto que nos presenta es uno de los más hermosos que se ejecutaron en el siglo XVII y existe otro muy parecido, también en el Museo del Prado. Resulta asombroso el estudio de la anatomía que Alonso Cano ha realizado y, sobre todo, el análisis de la luz, al modo de los caravaggistas: un fondo oscuro sin iluminación ni referencias espaciales, contra el cual se recortan las figuras de Cristo y el ángel, fuertemente iluminados por un foco lateral. Los matices de la piel del hombre muerto son infinitos, en una gama delicadísima de rosas y blancos, continuados como una melodía en los blancos y los grises del sudario. Como ya resulta frecuente en estos años, el pintor coloca una serie de objetos al lado de la acción a modo de naturaleza muerta perfectamente captados: se trata de una jofaina con agua para lavar las heridas de Cristo, así como los símbolos de la Pasión, la corona de espinas y los tres clavos.

CRUCIFICADO:

Título: Crucificado (1650-60)
Autor: Alonso Cano
Museo: Real Academia de Bellas Artes de San Fernando
Estilo: Barroco Español

La figura de Alonso Cano, eclipsada por Velázquez, es una de las más importantes del Barroco español. Ambos artistas trabajaron juntos en el taller de Pacheco, llegando a realizar alguna obra de manera conjunta en la que resulta imposible saber lo que salió de cada pincel. Sin embargo, Cano tomará una vía diferente, interesándose por los maestros venecianos. Este Crucificado que contemplamos es uno de los muchos cuadros de devoción que se realizaron a lo largo del siglo XVII, siguiendo la iconografía impuesta por su maestro Pacheco al colocarlo con cuatro clavos, la calavera de Adán a sus pies y la ciudad de Jerusalén al fondo. La bella y escultórica figura está perfectamente trazada y cubre sus partes íntimas con un paño de pureza blanco que revoletea al viento. Apoya los pies en un subpedáneo y su cuerpo parece venirse hacia adelante por la postura de la cabeza coronada de espinas, que mira hacia abajo como arrepintiéndose de su decisión. La luz ilumina plenamente el cuerpo y crea un profundo contraste con el oscurecido fondo. La sangre está presente en la figura pero de manera delicada, sin ser el elemento principal del asunto. La sensación atmosférica que rodea a Cristo está inspirada en la Escuela veneciana.

DOS REYES

Título: Dos Reyes (1639/41)
Autor: Alonso Cano
Museo: Museo del Prado
Estilo: Barroco

Gracias al título del lienzo en los catálogos antiguos podemos saber que se trata de dos reyes godos, aunque nada nos indica cuáles puedan ser sus respectivas identidades. El motivo de la obra es desconocido y la hace muy interesante, pues Alonso Cano apenas trató temas profanos, ya que su producción casi estaba copada por encargos religiosos. Las figuras resultan de tamaño mayor que el natural, captadas desde un punto de vista bajo que hace pensar que estaban pensadas para colocarse en alto. Los dos personajes están reflejados con extraordinario realismo, lo cual habla de las dotes pictóricas del artista. Uno de ellos aparece caracterizado como un obeso de rostro sonrosado y ojos hundidos. El otro es un joven de mirada recelosa, bajo cuyo manto de hermosa seda azul asoma la punta de una espada. El modo de representarlos y el hecho de que formen un par resulta poco habitual para el arte de la época. Puede que se trate de un lienzo integrante de una serie de los reyes de España. En cualquier caso, hay que apreciar el dominio del color que a estas alturas demuestra Cano, tras su aprendizaje sobre los pintores venecianos y su colega Velázquez. Sus colores son de gamas atrevidas y combinaciones sorprendentes, como sólo Zurbarán se atrevía a hacer. Sin embargo, están matizados con una sutilísima delicadeza que los armoniza con gran efectismo.

INMACULADA

Título: Inmaculada (1653-57)
Autor: Alonso Cano
Museo: Museo BB.AA. Granada
Estilo: Barroco Español

Alonso Cano realizó esta Inmaculada Concepción según los postulados de la estética barroca sevillana. El tema de la Inmaculada pone de manifiesto la inocencia y la virginidad de María al concebir a Jesús. Para destacar esta idea, la joven María suele representarse con una serie de características que el fiel conocía e identificaba. Eran, por ejemplo, la túnica blanca con el manto azul, las doce estrellas que coronan su cabeza, la media luna sobre la cual se apoya, etc. Estos rasgos fueron establecidos, especialmente, a través de escritos como los de Francisco Pacheco, el suegro de Velázquez, que luego otros pintores ejecutaban en sus obras. Cano ha utilizado para esta pintura sus dotes de escultor, puesto que la imagen tiene un aspecto muy tridimensional, con correctos volumen y sombreado, como si fuera una escultura de bulto redondo.

SAN BERNANDO

Título: San Bernardo (1656/60)
Autor: Alonso Cano
Museo: Museo del Prado
Estilo: Barroco

El tema del lienzo que Alonso Cano pintó para los monjes capuchinos de Toledo es bastante inusual, por prestarse a interpretaciones escabrosas y alejadas de la piedad que se pretendía suscitar. Se trata de uno de los acontecimientos milagrosos de San Bernardo, quien a punto de fallecer de inanición fue alimentado por la mismísima Virgen María en una aparición milagrosa. La forma de plasmar al santo recibiendo la leche había de ser lo más pura posible, por lo que Cano ubica la acción en el propio altar. Dado el tamaño del lienzo, pudiera decirse que la escena es totalmente verosímil, pues tanto las dimensiones del altar como de las figuras se aproximan al natural. De este modo el santo, que se había arrodillado a rezar a la imagen de la Virgen, contemplaría asombrado cómo de esta imagen esculpida brotaba la leche que le alimenta. El estilo dulce y colorido de Cano se mantiene en esta obra como en otras, aunque parece haber reducido su paleta a los colores blanco y rojo que predominan en el lienzo.

Estos son algunos de sus lienzos...

INMACULADA

Esta preciosa escultura de Alonso Cano, de madera policromada, de
1,72 m de altura y fechada entre
1620 y 1625, constituye una de sus primeras obras conocidas de su
etapa sevillana, la cual demuestra la proximidad del artista a la obra de
Juan Martínez Montañés durante su periodo de formación.Al igual que en el resto de su producción, tanto pictórica como escultórica, observamos el gusto por la belleza serena y contenida de sus personajes que no necesitan mostrar su emoción interior mediante gestos exagerados o pronunciados. El especial tratamiento que concede Cano a los ropajes será el que introduzca en gran medida el ritmo y el sentido de ascensionalidad en la escena.

VIRGEN DE BELÉN

Esta pequeña talla de 45 cm fue realizada por Alonso Cano para rematar el facistol que diseñó para la catedral y para sustituir la escultura de la Inmaculada que a su vez él mismo talló y que por su belleza fue llevada a la Sacristía para facilitar su contemplación. Cano en su etapa granadina (1652-1667) tuvo una especial inclinación hacia las obras escultóricas de pequeño formato, y parece que en ellas es capaz de
mostrar una mayor intimidad.

De nuevo destacaremos la belleza serena de la imagen y el minucioso tratamiento de los ropajes de María que destacan frente a la desnudez del niño. En la producción de Alonso Cano volveremos a encontrar la misma temática en varias obras pictóricas, caso de la Virgen del Lucero del Museo del Prado, o en la Virgen de Belén del Palacio Arzobispal de Granada.

Estas son algunas de sus esculturas...

COMENTARIO DEL ENTIERRO DEL CONDE DE ORGAZ

2010-02-25T11:18:00.000-08:00

EL ENTIERRO DEL CONDE DE ORGAZ:

El entierro del conde de Orgaz ,está en la iglesia de Santo Tomé en Toledo fue encargo del párroco de Santo Tomé, para conmemorar la resolución favorable de un pleito emprendido contra los habitantes de villa Orgaz , que se negaba a pagar a la iglesia la suma anual establecida en testamento por su señor .El autor de este cuadro es El Greco , su fecha es 1586-1588 y su estilo es renacentista.
El soporte es el lienzo y la técnica es el óleo .La temática de este cuadro es religioso, la idea es crear dos mundos(terrenal-divino).Respecto al predominio de la línea , predomina la línea curva ,se puede ver en el conde haciendo una forma de s o los de detrás en forma de la línea, e incluso los que le sostiene en forma curva también, y en algunos casos es discontinua. El color en el mundo celestial predominan los colores fríos, apagados ; se observa también en la virgen con ese azul de la pasión; la pincelada es más pastosa, violenta, en cambio en el mundo terrenal la pincelada es mas suelta, sigue habiendo el negro pero también hay colores cálidos ( en San Agustín y San Esteban , en ellos también se observa ese detallismo que a el le cuesta pero aquí intenta hacerlo y se puede observar decoración vegetal, retratos.. refuerzan el color oscuro con la herradura y sobretodo la veladura en el párroco para crear la sensación de la túnica negra que lleva debajo.)
Respecto a la luz ambos mundos tienen una luz diáfana ( que no preceden de ningún punto concreto) luz artificial usada a criterio del autor; típico del manierismo, es decir, no se han tenido en cuenta las antorchas pintadas como procedencia de la luz del cuadro, ya que La luz recae sobre varias partes: los santos y el señor de Ordaz, las caras de los personajes que ven el entierro, o en la parte superior los personajes más importantes: Cristo, etc. Se crean así zonas más iluminadas y otras más oscuras (claroscuro).
En cuanto al espacio y la perspectiva hay una falta de estudio en ellos , es otra característica manierista típica de El Greco, y aumenta la artificiosidad de su pintura.
En la importancia de señalar que recursos ha elegido el autor para generar la sensación de movimiento dentro de la obra cabe destacar la expresión de sentimiento de cristo, de la virgen, del conde muerto….
Destaca la composición romboidal de la escena superior, con Cristo, la Virgen, San Juan y el ángel, en los vértices del rombo. Pero el resto de los personajes aparecen abigarrados, sobre todo en algunas zonas más que en otras. En esta escena superior muchos personajes aparecen en escorzos (el ángel que lleva el alma), retorcidos (serpentinata), dinámicos, influencia de Miguel Ángel, con un canon más alargado que rompe con la proporción clásica y se adentra en el manierismo. Estas formas se convertirán en característica normal en la pintura de El Greco. En la zona inferior la composición es circular, los personajes aparecen más estáticos, bien de frente o de perfil o de espaldas (característica manierista).

COMENTARIO DE LA EXPULSIÓN DE ADÁN Y EVA EXPULSADOS DEL PARAÍSO:

2010-02-11T10:34:00.000-08:00

La expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal es un fresco realizado por el destacado artista del primer Renacimiento Masaccio( 1425-1428).No es del Quattrocento total,rompe con los patrones. El fresco se encuentra pintado sobre la pared de la Capilla Brancacci, en la iglesia de Santa María del Carmine en Florencia, Italia.

En cuanto al análisis formal :El soporte es el muro, pintada al fresco, la temática representa una famosa escena en la Biblia, la expulsión del Paraíso que se narra en Génesis, 3, aunque con algunas diferencias en relación con el relato canónico. Es la primera vez que el pintor se plantea hacer el desnudo masculino y femenino (en 1420) y es un atrevimiento criticado. Respecto a la Línea, tiene un fuerte predominio y su trazo es discontinuo se ve claramente una sensación de movimiento . El color tiene un valor cromatístico y compositivo, y respecto a la tipología de colores utiliza colores como anaranjado o amarillo(colores cálidos) en las figuras de Adán y Eva o algunos trozos del suelo pero en cambio en el cielo azul ya son colores fríos, y también el ángel con el rojo marca esos colores cálidos.

Con respecto a la luz , según el estilo que decía sería ambiental pero como ya he dicho rompen los patrones del Quattrocento y sería una luz proyectada, hay sombras y no viran al negro sino al marrón oscuro .En pecho de Eva si hay negro; hay unas saturaciones de color.

La perspectiva hay elementos que permiten observar scorzos como en ángel de color rojo, o también la sensación de tridimensional(Adán de culpa y Eva de desafiante)y sobretodo crea sensación de profundidad y creación de distintos planos. Sobre el ritmo y el movimiento, es un mundo de expresión introspectiva (gesto, opiniones serenas…) este cuadro es el revés el cuadro riñendo, Eva llorosa y con el vientre relajado y Adán con las manos en la cabeza diciendo :¿ Dios mío que he hecho? y con el vientre contraído , que toma aire. Esta pintura es famosa por su vívida energía y realismo emocional sin precedentes. Una restauración en los años 1990 quito la pintura añadida así como el polvo y la suciedad, volviendo al color original y eliminando las hojas que se pusieron para tapar a Adán y Eva. Y para terminar esta claro que la composición es abierta ; todos los extremos divergen hacia los extremos.Las composiciones oblicuas fomentan la sensación de movimiento y en este cuadro la geometría no juega un papel fundamental en la composición.

DIFERENTES PARTES DE LA MEZQUITA DE CÓRDOBA

2009-11-21T11:30:00.000-08:00

Quibla: A la que se mira al orar y es el muro al fondo de la Mezquita, donde se encuentra el mihrab y como éste orientado hacia la Meca.

Mihrab:Decoración basada en el yeso y el mosaico delante de la cual se leía el Corán. Se creó para conmemorar la presencia del profeta como primer Imán.

Maqsura: Lugar separado para los sequitos,dignatarios(...)solo para hombres cuando acuden a la mezquita los viernes.Está situada delante del mihrab.Suele tener una techumbre plana ,hacen una bóveda de niervos cruzadas, la cubren con una bóveda gallonada.Arcos de Herraduras con otros : mezclas.

Haram:Sala hipóstila con naves, naves corridas con la peculiaridad de ser la más altas mezclan la columna con su capitel y su fustel y luego aparecen arcos;Arcos de herradura .También hay bóvedas de nervios.

Fuente: para las abluciones rituales, obligatorias antes de la azalá. Se sitúa en el patio.

Patio de la mezquita o sahn:(Patio de las Naranjas), están particados (como escuela coránica) o para el rezo de las mujeres.En él puede haber una fuente para realizar las abluciones menores, un aljibe con un pozo y árboles, que en Córdoba son naranjos y palmeras. La fachada de la sala de oración está abierta a él mediante grandes arcos.

Alminar: es una torre que sirve para la llamada a la azalá. Puede que la razón del surgimiento de los alminares fuese triple: hacerse oír sobre el ruido de fondo de la ciudad, sevir de reclamo o guía visual a los fieles y hacer las veces de “marca” territorial o emblema de la presencia del Islam.

Puertas: a pesar de no tener función de fachada propiamente dicha, el portal simboliza el umbral, el lugar de paso entre dos mundos, del “bullicio externo” a la paz interior de la mezquita.

Muro externo: Sirve para cerrar un espacio, en este caso el recinto del sahm y del haram, este muero se refuerza en el exterior con contrafuertes y dan paso a diecinueve puertas y sobretodo estos muros dan como una forma de protección.Lo rodea.Al muro le añaden , ventanas con celosías y arcos que no sujetan nada.

2009-11-02T02:38:00.000-08:00

EDIFICIOS PÚBLICOS:

-Administrativos:

*FORO ROMANO DE TARRACO:

*BASÍLICA DE SANTA MARÍA LA REAL DE COVADONGA

-Religiosos:

*TEMPLO ROMANO DE CÓRDOBA

-Occio:

*ANFITEATRO TARRACO EN TARRAGONA

*TEATRO ITALICA DE SEVILLA

*PISCINA DE LAS TERMAS DE CAESARAGUSTA DE ZARAGOZA Y MAQUETA DE LAS TERMAS DE GIJÓN

*CIRCO DE SEGÓBRIGA(SAELICES,CUENCA)

CONSTRUCCIONES DE UTILIDAD PÚBLICA:

*CALZADA ROMANA DE BÁRCENA DE PIE DE CONCHA EN CANTABRIA

*PUENTE ROMANO DE CÓRDOBA

*ACUEDUCTO DE SEGOVIA

*DIQUE PRESA ROMANA DE MUEL DE ZARAGOZA

*MURALLA DE LUGO

MONUMENTOS DE CARÁCTER CONMEMORATIVO

*ARCO DE TRAJANO , TARRACO EN TARRAGONA

*COLUMNAS ROMANAS DE ALAMEDA DE HÉRCULES

*TUMBA ROMANA DE LOS ESCIPIONES EN TARRAGONA

EDIFICIOS PRIVADOS

*DOMUS EN MIRÓBRIGA

*EJEMPLO DE INSULA ROMANA

EXPLICACIÓN DE LAS ESCULTURAS:

2009-10-18T06:30:00.000-07:00

“Ménade danzante” o “ Ménade furiosa” de Scopas(380-330 a.C)es una escultura del clasicismo griego debido a que expresa dolor a través de géneros alterados extremo del pathos y por las formas más patéticas, tensión en las figuras, tiende un poco al naturalismo ,se da una pérdida total de equilibrio en la composición,por las violencias de las actitudes y la contorsión de sus miembros.

Discóbolo de Mirón (490-440 a.C) es una escultura del período griego clásico que representa a un atleta a punto de tirar el disco, es de este periodo debido a sus diferentes planos de visión, triunfa la anatomía en acción (su preocupación por el movimiento le llevó a la plasmación del mismo mediante un esquema a base de triángulos), el esfuerzo no afecta a la serenidad expresiva del rostro, composiciones abiertas; miembros están separados del cuerpo y hay movimiento en la figura, es inexpresiva por lo que un atleta no tiraría asi y se veria la cara de dolor.Son un tanto arcaico el rostro y el cabello.No está bien hecho(Suavidad de las formas que ocultan el principio geométrico de muchas partes del cuerpo: glúteos, cabeza,pecho…

“Diadúmeno” de Policleto el viejo(430-420 a.C) es una escultura del griego clásico debido a su composiciones abiertas , reflejo perfecto de las formas anatómicas , equilibrio y armonía del conjunto , las partes y todas ellas entre sí, sutil juego de proporciones(CANON) que no nos ha llegado descrito, los pies están a diferente nivel y los brazos doblados, la curva praxiteliana (Realización de una tarea). El original era de bronce pero la copia es de marmol.

"Kore" de Peplo( 530 a.C) anónimo es una escultura de griego arcaico debido a la frontalidad, composición cerrada, realismo no existe, esquematismo en los paños y vestimentas, desproporción entre las partes del cuerpo(cabeza superior en tamaño, pies y ojos grandes..)descompesación en las partes del cuerpo, inexpresividad en los rostros(sonrisa eginética)estatismo (no hay avanzes ni giros de las diferentes partes del cuerpo), los vestidos generan gran cantidad de plieges , que en esta época son geométricas, rectos paralelos y en ziz-zag, suelen aparecen con una mano libre y otra en la cadera, levantándose el vestido y con la sonrisa arcaica.

“Doríforo” de Policleto el viejo (siglo V a.C 440-430) es una escultura del griego clásico debido a que plasma el ejemplo más claro de la teoría de Polícleto sobre la correcta proporción del cuerpo humano, el autor no se preocupa por la expresión de sentimientos ni por el virtuosismo en la elaboración del pelo, y tiene una fuerte serenidad en el rostro , miembros separados del cuerpo , diferentes planos de visión, movimiento en la figura y el reflejo perfecto de las formas anatómicas.

“El toro Farnesio o el Castigo de Dirce” de Apolonio de Atenas (130 a.C) es una escultua del griego helenístico debido a la acentuación de las formas, que nos lleva a un barroquismo que se deja ver en la manifestación de los sentimientos, mayor movimiento y gran variedad de actitudes, reflejan un ideal de belleza física y espiritual(dan armonía y belleza entre las partes del cuerpo). La idealización de cuerpos y formas contrasta con la necesidad de exteriorizar sentimientos, evolución hacia el expresionismo(pathos),hay escorzo(dar la espalda)utilizar el jugo de luces y sombras (para dar verdaderamente la forma al cuerpo), estructura es claramente piramidal, las anatomías son rotundas y los personajes luchan dramáticamente y vigorosamente por salvarse.

“Trono ludovisi, Nacimiento de Afrodita ,anónimo (460 a.C) es una escultura del preclasicismo debido a que realiza sus obras por placer estético, buscando la belleza ideal, al margen de su significado religioso, naturalismo idealizado en las esculturas, ya que se trata de representar al hombre perfecto, sin defectos, verdaderos arquetipos, Importancia de conceptos matemáticos, también buscan la armonía, serenidad y equilibrio entre el autodominio (ethos) y la expresión de los sentimientos (pathos), especialmente en los rostros, estudio de la anatomía en tensión y del movimiento, para mostrarlos de modo equilibrado. Esculturas policromadas, aunque se hayan perdido los restos de color por el paso del tiempo. Nos hacemos a la idea de que eran blancas, pero no era así,incluso ahora a muchos se nos haría raro verlas policromadas.

"Victoria de Samotracia", autor desconocido (460 a.C) es una escultura del griego helenístico debido a acentuación de las formas, la técnica de los paños mojados, los diferentes planos de visión, Hay un gran movimiento en distintas direcciones. La tela es muy fina y está pegada al cuerpo, permite observar la anatomía perfectamente, pero también hay zonas en las que se arremolina con numerosos pliegues y líneas en diagonal. Las plumas de las alas también son muy reales.(movimiento).

“Venus Cnidia” de proxisteles (360 a.C)del griego helenístico debido a la desnudez en la Afrodita Cnidia es un busqueda y logrado elemento de erotismo: la seducción ha sido acentuada merced a la tersura que se ha obtenido en el fino labrado del mármol que constituye a la estatua, tersura realzada por las curvilíneas y suaves (mórbidas) formas es decir, grácilmente femeninas del cuerpo, formas que se "mueven" con un perfil sinuoso (en "S"). La representación toma, en efecto, a Afrodita cuando presta al baño deja caer casi lánguidamente sus vestiduras sobre una hydria (gran ánfora para agua) que está a su costado. La vestidura y el ánfora, pese a la impresión opuesta sugerida, cumplen la función de fuerte soporte estructural, de manera que así el cuerpo puede "rotar" ligera, lévemente hacia adelante y hacia la izquierda casi en un gesto de instintivo aunque despreocupado pudor como si la diosa hubiese sido sorprendida en tal pose por un extraño, así "lleva" su mano diestra delicadamente a cubrir incompletamente el pubis.

“Kauros de Anavyssos” desconocido(530 a.C) del griego arcaico debido a su frontalidad , composición cerrada, esquematismo en algunas partes del cuerpo, desproporción en algunas partes del cuerpo. Descompensación en algunas partes del cuerpo, inexpresividad en los rostros, mirada perdida(hierático), una de las piernas más adelantadas en un intento inútil de conseguir el movimiento.

“Hermes con Dionisos niño" de Praxíteles (340 a.C?) es una escultura del griego clásico debido a sus diferentes planos de visión, composiciones abiertas, reflejo perfecto de las formas anatómicas, equilibrio y armonía del conjunto en las partes y todas ellas entre sí, fuerte serenidadad en los rostros, búsqueda de perspectiva y profundidad del campo, movimiento de potencia, funcionalidad del cuerpo(pies en diferente nivel y plano ,torsos girados y cabezas ladeadas, contrapostos.

"Laocoonte"(330-100 aC) por Agesandro, Polidoro y Atenodoro del griego helenístico debido a que capta el dolor físico pero, sobre todo, el dolor interno y moral al ver morir a sus hijos. Son cuerpos en tensión intentando librarse de las serpientes. La composición es triangular, la anatomía está marcada por la tensión. Las extremidades están enfrentadas para formar composiciones en asta y hay un continuo estudio de entrantes y salientes. Los ojos están hundidos y la boca entreabierta por influencia de Escopas

TIPOLOGÍA DE EDIFICIOS GRIEGOS.

2009-10-12T09:16:00.000-07:00

TEMPLOS:

-Templos dóricos más típicos:

Hera en Paestum(Sicilia)

A partir del siglo VIII aC, los griegos inician la colonización del Mediterráneo.La proximidad geográfica entre Grecia y la península Itálica, favoreció la instalación de colonos helenos tanto en Sicilia como en la zona sur de la península, es lo que llamamos la Magna Grecia. Una de las huellas de su presencia en aquellos territorios son los hermosos templos dóricos de Paestum.

Partenón(Acrópolis,Atenas)

El recinto más importante es el Partenón, templo dórico consagrado a la diosa Atenea, patrona de la ciudad. Construído por los arquitectos Ictino y Calícrates, la decoración escultórica es obra de Fidias.Se comenzó en el 447 aC y estaba terminado en el 438 aC.

-Templos jónicos más típicos:

Artemison(Artemisa en Efes)

El Templo de Artemisa fue un templo ubicado en la ciudad de Éfeso, Turquía, dedicado a la diosa Artemisa, denominada Diana por los romanos. Su construcción fue comenzada por el rey Creso de Lidia y duró unos 120 años.

Atenea Nike(Acrópolis de Atenas)

Sobre una plataforma que dominaba al sur la vía sacra, se hallaba el templo de Atenea Niké, construído entre el 449 y el 425 aC.Está formado por una pequeña cámara, enmarcada por un pronaos y por un opistódomos estrecho, con pequeñas columnas jónicas. El edificio actual es una reconstrucción moderna.

Erecteion(Acrópolis de Atenas)

Frente al Partenón se situaba el Erecteion, también consagrado a Atenea. En él encontramos la bellísima tribuna de las Cariátides, estatuas-columnas con forma de mujer, que sostienen la cubierta sin aparente esfuerzo.El Erecteion se construyó a partir del 421 aC y se concluyó hacia el 405 aC. Está compuesto por diferentes construcciones, muy originales en su disposición porque tenían que corregir el desnivel del terreno e integrar nueve espacios de culto diferentes todos entre sí.

-Templos coríntios más típicos

Zeus en Olimpia

El Templo de Zeus Olímpico en Olimpia, construido entre 470 y 456 a. C.El templo albergaba la estatua de Zeus que fue una de las siete maravillas del mundo antiguo.La estructura principal del edificio era de la piedra caliza local, que no era vistosa y de calidad muy pobre, por lo que estaba cubierta por una capa delgada de estuco para darle la apariencia del mármol. Toda la decoración escultórica del templo estaba hecha de mármol de Paros, y las tejas del techo eran del mismo mármol del Pentélico que se usó para construir el Partenón en Atenas.Fué el templo más grande de Grecia en las época: Helenística y Romana.

TEATROS:

Teatro de Epidauro
(Siglo IV a.C)(año 350 a.C)Epidauro ilustra la evolución del arquetipo clásico de teatro hacia el helenístico, que incrementa las dimensiones de la cávea y construye una escena mayor y más lujosa.El arquitecto fué Polícleto el Joven en Epidauro(Grecia) y los materiales utilizados fueron la piedra .

SANTUARIOS:

Santuario de Apolo (En Delfos)

El templo de Apolo se situaba en un santuario, celebérrimo en la antigüedad, que se alzaba cerca del Parnaso, monte consagrado a las musas, dominando el Golfo de Corinto, en un lugar de relieve montañoso, recortado por las Fedríades, dos inmensas rocas que forman una garganta de donde brota un manantial cuyas aguas son sagradas desde tiempos remotos .

ALTARES:

Altar de Zeus en Pérgamo

Uno de estos grandes altares construidos en el período helenístico fue el gran altar de Pérgamo, dedicado a Zeus o a Atenea. Sus ruinas han subsistido a través de los siglos y fueron descubiertas por un equipo de arqueólogos alemanes en el siglo XIX. En la actualidad puede contemplarse el gran friso de esculturas en la ciudad alemana de Berlín, en el museo de Pérgamo.

PRITANEOS O BOULITERIÓN:

Pritaneo en Éfeso

Si existe un gigantesco museo al aire libre, ese es Éfeso. Está considerado una de las zonas arqueológicas más grandes del mundo y no es para menos, dada la gran cantidad de obras antiguas exhibidas en su lugar original. Por ejemplo, todavía puede apreciarse fácilmente la célebre urbanización de uno de los grandes arquitectos de la historia, Hipódamos. Éste ideó el plano en sistema de reja, donde las arterias se cortan en ángulos rectos. La antigua ciudad de Éfeso se extiende en el valle situado entre los montes de Bülbül y Panayır.

FORTALEZAS:

Fortaleza de Micenas

En el segundo milenio a. C. Micenas era uno de los mayores centros de la civilización griega, una fortaleza militar que dominaba gran parte del sur de Grecia. El periodo de historia griega comprendido entre el 1600 y el 1100 a. C. se denomina micénico en reconocimiento a la posición de liderazgo de Micenas. Cabe destacar que los habitantes de este periodo se llamaron a sí mismos aqueos y son los Griegos Heroicos.

STOAS:

Stoa de Átalo (En Atenas)

La Stoa de Átalo es un pórtico helenístico situado en la parte oriental del ágora de Atenas.El monumento fue construido por Átalo II Filadelfo, rey de Pérgamo, hacia el 150 a. C., en agradecimiento por la educación que había recibido en la ciudad ática.
La stoa fue reconstruida de 1953 a 1956, idéntica a la original por al Escuela americana de arqueología.Típica del arte helenístico, la stoa era un edificio de gran envergadura construido en dos niveles, una planta baja de orden dórico y un piso de orden jónico, unidos por dos escaleras situadas en las extremidades. Las paredes estaban formadas por piedra caliza del Pireo, con una fachada de mármol del Pentélico y un tejado con tejas.

IMÁGENES Y CARACTERÍSTICAS DE LA ESCULTURA Y PINTURA EGIPCIA :

2009-10-03T03:51:00.000-07:00

1.Profundamente religiosa y vinculada al mundo funerario:

2.Escultura exenta y bajorrelieve:

3.TEMA PRINCIPAL: figura humana-faraones, dioses, dignatarios:

4.Hay una armonía y proporción de los cuerpos. Creación de un CANON o relación matematica entre las partes del cuerpo.[2-10-6]-REALISMO:

5.Idealizacion en faraones y dioses. Naturalismo en dignatarios y dioses:

6.Ley de la frontalidad , lleva aparejado que la función de la figura sea cerrada:

7.El hieratismo es una ausencia de gesto, de expresión y una de las características es la mirada perdida al infinito que aporta un carácter de majestuosidad o seriedad a las figuras:

8.Tiene tendencia al plano único, no hay fondo ni perspectiva, por eso crean la perspectiva jerárquica:

9.Como material se usa la piedra:

10.Visión rectilínea ,para que las figuras aparezcan los 4 lados:

COMENTARIO DE ABU SIMBEL

2009-10-03T02:23:00.000-07:00

Estamos ante un edificio totalmente religioso concretamente un templo, un templo consagrado a Ramsés II, considerado hijo de Horus. Es una obra simple puesto que solo cuenta con su propio templo .
Está situado al sur de Egipto, en la antigua Nubia a orillas del lago llamado Lago Noser o presa de Asuán.
Es una obra arquitectónica anónima , este templo pertenece a la dinastía de faraones XIX de Abu Simbel durante el reinado de Ramsés II ,su construcción se inició aproximadamente en el 1284 a.C y duro 20 años, hasta el 1264 que se incluye en el imperio nuevo egipcio.
En cuanto al análisis formal nos encontramos una planta que presenta la distribución habitual de los templos egipcios, con algunas diferencias al tratarse de un templo speos:
1.Pilono o fachada (con los cuatro colosos de Ramsés II).
2.Sala hispóstila( con columnas adornadas con figuras de Ramsés II-Osiris)
3.Otras salas secundarias y al final el santurario donde se encuentan imágenes de varios dioses y el propio Ramsés II.

Imagen del Santuario:

No es un edificio exento sino que está perfectamente tallado en roca granítica entre dos contrafuertes oblicuos que producen un efecto de perspectiva que hacía parecer más distante y profunda la fachada.
Si pasamos a describir los elementos del edificio podemos decir que en cuanto a los materiales, El templo se abre con un pórtico que conduce a un atrio y una erraza, donde se encuentra la impresionante fachada, excavada en la roca, de 35 metros de anchura por 30 metros de altura, en la que están los 4 famosos colosos sedentes de Ramsés II de unos 22 metros de altura. Estos colosos están acompañados de pequeñas figuras, colocadas entre las piernas, que representan a sus parientes. El templo se construyó aprovechando las cavidades existentes, ahora dedicadas a divinidades locales, y agrandando la planta para adaptarla a las nuevas necesidades.Sólo aparecen citas de Ramsés II, salvo un escrito de Siptah, alabando a los dioses, que se encuentra en la pared norte de la entrada.

Del análisis exterior destacamos:La gran fachada del templo principal, que está presidida por cuatro colosos sedentes del faraón con una altura de 21 m esculpidos directamente en la roca. Ramsés II está representado con la doble corona y las manos apoyadas en las rodillas. A los pies de estos colosos se encuentran unos relieves de prisioneros negros y asiáticos, que simbolizaban los enemigos fronterizos de Egipto. A ambos lados de los mencionados colosos, junto a sus pies y adosadas se hallan unas estátuas de los miembros de su familia, incluyendo entre ellas la de su primera esposa real Nefertari, su madre Tuya y otras de algunos de sus hijos. La primera estátua de la izquierda pertenece al faraón y es calificada como un fiel retrato. El tronco de la segunda se ha derrumbado, en cuanto al tercero fue restaurado por Sethi II. En la pared del antepatio existen dos inscripciones de gran valor documental : la primera es la Estela del Casamiento, esculpida en la roca arenisca, en el sector meridional de la plataforma. Se relata en ella la boda de Ramsés con la hija del rey de los hititas. La segunda inscripción es una copia del famoso poema de Pentaur donde se narra la Batalla de Kadesh.

Respecto al análisis interior desde esta sala se accede a la considerada sala hipóstila.Al fondo del templo se encuentra el santuario o Santa Santorum con estatuas de Ramsés II y de los dioses Ptah, Amón y Ra.En los laterales del templo se situan una serie de capillas se encuentran una serie de cámaras que se van haciendo cada vez más pequeñas a medida que el suelo de las mismas se va elevando de manera acentuada. En el muro norte de esta sala se encuentran representada mediante relieves escenas del faraón en combate (incluyendo la batalla de Kadesh) y en el muro sur las guerras contra los libios, sirios y nubios, incluyendo una presentación de estos prisioneros ante los dioses. Estos relieves, hoy en día, todavía conservan un poco de su policromia original. Este fenómeno se conoce como la “Perpendicular del sol sobre Abu Simbel”. La orientación de la fachada hacia el este hace que la luz entre en determinadas fechas al templo iluminando distintas imágenes asociadas a estas fechas, como por ejemplo, la agricultura.El ritmo del templo es cerrado, poco luminoso y tiene una caída de progresión longitudinal. En la dinastía XIX predomina el gusto por el colosalismo, felizmente corregido por un sentido extraordinariamente vivo de las proporciones armoniosas.

El Templo es un elemento vivo, orgánico, en crecimiento. Se amplia y crece para dar cabida a programas teológicos más complejos. Se reutilizan los espacios, se destruye lo que es inútil. Cuanta mayor sea la complejidad, más laberíntico sea su santuario, más mistérico y poderoso será el Dios y sus sacerdotes. Su colosalismo impresiona pero su aislamiento del exterior redunda en hacer la religión y a los que la controlan seres de una casta diferente a los demás.

OBRAS DEL FARAÓN EGIPCIO RAMSÉS;

2009-09-28T10:01:00.000-07:00

La ampliación del templo de Abidos, el Osireion:

El Osireion es el nombre dado al cenotafio que el faraón egipcio Sethy I mandó construir en Abidos. Se encuentra en la prolongación del eje longitudinal del templo del faraón, y se realizó con piedra caliza, arenisca rojiza, y granito en la cámara central.
Su estructura consta de: un corredor abovedado, que partiendo del templo de Sethy I llega hasta la antecámara, un corto pasaje, que comunica con la gran cámara central, rodeada por 17 nichos, y una última cámara, paralela a la antecámara.
La decoración de los accesos, que se puede observar tanto en los muros como en el techo, se deben principalmente a Merenptah, hijo de Ramsés II, destacando las escenas del Libro de las Puertas, un texto religioso típico de las tumbas reales de la dinastía XIX.
Se trata de una edificación carente, en la actualidad, de superestructura, aunque pudo estar formada por un túmulo sobre el que habría plantados sauces y otros símbolos vegetales asociados al dios Osiris.
Se cree que el Osireion buscaba, con su organización interna, la evocación de la creación según la mitología egipcia, representando la colina primigenia que emergió de las aguas primordiales.
Actualmente no es posible acceder al interior, debido a la inundación provocada por la subida del nivel freático de la capa de agua subterránea, siendo este de un metro de altura aproximadamente.

La ampliación del templo de Amón en Tebas, añadiendo un nuevo patio, los pilonos de la entrada y dos obeliscos de granito rosa:

La importancia adquirida por Tebas durante el Imperio Nuevo, como capital de Egipto y de sus vastos dominios asiáticos y africanos, hizo del santuario de Amón, el dios del cantón tebano, el principal centro religioso y cultural del país. El núcleo del mismo lo constituía el templo de Karnak en cuyas cercanías se hallaban otros supeditados a él. Entre estos destacaban, en primer lugar, el de su esposa Mut y el de su hijo Khons, que formaban con Amón la trinidad tebana; y en segundo lugar, el de Montu, también ídolo local, a quien Amón había ido relegando a un término secundario.

Templo de Amón-Ra en Karnak (Tebas). Esfinge:

Una de las numerosas efigies situadas a los lados de la avenida que da acceso al templo de Amón. Las esfinges criocéfalas, con sus cuerpos de león y sus cabezas de carnero, el carnero de Amón, protegen a diminutas figuras osíricas de Ramsés II, el donante de estas cincuenta piezas y de otras muchas, que desde la época bubástida se alinean apretadamente ante los pórticos del primer patio, al que fueron trasladadas.

En Karnak terminó la gran sala hipóstila del templo de Amón:

Karnak , "ciudad fortificada", llamada en el Antiguo Egipto Ipet Sut, "el lugar más venerado") es una pequeña población de Egipto, situada en la ribera oriental del río Nilo, junto a Luxor. Era la zona de la antigua Tebas que albergaba el complejo religioso más importante del Antiguo Egipto. Forma parte del conjunto denominado Antigua Tebas con sus necrópolis, declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1979. Es el conjunto de templos más grande de Egipto.
El complejo de templos de Karnak lo componen:
el gran templo de Amón,
el recinto de Montu,
el recinto de Mut,
el templo de Jonsu,
el templo de Opet,
el templo de Ptah.

La entrada, entre dos inmensos pilonos, está precedido por una avenida de esfinges (dromos), con cabeza de carnero, símbolos del dios Amón. Se accede a un gran patio porticado donde se encuentra, la izquierda, un templete del faraón Sethy II, una de las columnas de Taharqo y la monumental estatua de Pinedyem I, a la derecha el templo de Ramsés III, al frente la sala hipóstila, y un poco más al fondo los obeliscos de Thutmose I y Hatshepsut; después hay una serie de estancias, con patios menores, y el santuario, a los que sólo tenían acceso el faraón y los sacerdotes.

Columnas de la sala hipóstila del templo de Karnak:

La sala hipóstila está compuesta de numerosas columnas que aún conservan sus inscripciones y algunas aún mantienen restos de la pintura original. Sus capiteles tienen forma de papiro (papiriformes). El santuario se encuentra en el centro del templo.

El templo funerario del Ramesseum, en el Valle de los Reyes, destinado a ser su tumba:

El Ramesseum es el nombre dado al templo funerario ordenado erigir por Ramsés II, y situado en la necrópolis de Tebas, en la ribera occidental del río Nilo, frente a la ciudad de Luxor, junto al pequeño templo dedicado a su madre Tuya.
El nombre fue acuñado por Jean-François Champollion, que visitó sus ruinas en 1829 y fue el primero en identificar los nombres y títulos de Ramsés en sus muros. Su nombre original era Casa del millón de años de Usermaatra Setepenra, que une la ciudad de Tebas con el reino de Amón.[1]
Tiene una estructura clásica: el templo funerario de Ramsés sigue los cánones de la arquitectura de templos del Imperio Nuevo, orientado de noroeste a sureste, con dos pilonos de 68 metros de anchura. En el primer pilono se registra su conquista, el octavo año de su reinado, de una ciudad llamada Shalem, en la que algunos creen ver a Jerusalén.

Vista aérea: se ven los restos de los pilonos, las columnas de patios y santuarios, y los edificios secundarios: